Grandes asociaciones: por el arte.

En el año en que Helen Marten ganó el prestigioso Turner, premio que desde 1984 otorga la Tate Gallery a artistas británicos contemporáneos menores de 50 años, hubo alabanzas unánimes por parte de la crítica; algo insólito en un sector tan dado al desacuerdo. Su triunfo casi se recibió con alivio. Pasó que la obra que había generado más runrún mediático era un gigantesco trasero con dos manos separando los glúteos, de la escultora Anthea Hamilton. Las esculturas de Marten (Macclesfield, Reino Unido, 40 años), poéticas, sorprendentes e indescriptibles, calificadas como laberínticas y también como collages posmodernos, representaban, por sutileza y complejidad conceptual, una suerte de antídoto contra esa cierta tendencia al arte-espectáculo.

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“Aquel 2016 fue intenso, porque inauguré una exposición individual en la Serpentine Gallery, y a la vez gané los premios Turner y Hepworth (este último, un galardón bienal de escultura, también dirigido a jóvenes del Reino Unido), así que tuve demasiada visibilidad y mucho trabajo”, recuerda ahora Marten desde su luminoso estudio al noreste de Londres, ante un ventanal con vistas al canal de Regent. “Si te soy sincera, fue hace tanto tiempo que ya ni pienso en ello. Además, el Turner es un premio muy británico. Cualquier cosa que signifique ser más europea, adelante”, suelta espontánea.

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Ciertamente está de enhorabuena, porque su último proyecto, 30 Blizzards, quizá el más ambicioso hasta la fecha, fue una gran instalación armada en el parisiense Palais de Iéna, monumento de la arquitectura neoclásica con hormigón, obra del arquitecto Auguste Perret. Presentada por la marca de moda Miu Miu como parte del programa de la feria Art Basel París, cerrada el pasado 26 de octubre, la propuesta no solo abarcó escultura y vídeo, sino que por primera vez para Marten implicó performance en vivo (esa fue una de las pocas condiciones que recibió de la marca), con la participación de 30 actores, bailarines y cantantes, animados con sus propios textos (vale anotar que también es escritora, con una novela, The Boiled in Between, en su haber). Según dice, “el texto fue la fuerza motora. A él se sumó la increíble música electrónica de la compositora Beatrice Dillon, y entre los performers destacaron cantantes de ópera, pop, jazz o soul. Se trató de un viaje por la cronología de un día, desde la noche cerrada y la mañana, al ocaso, y de nuevo la noche”. de ¿De qué trata? Luego de pensarlo largamente, responde: “creo que es sobre la materialidad granular de la experiencia humana. Una pequeña carta de amor a la idea de la sustancia”.

Manifiesta cierta tendencia a emplear términos algo intrincados, pero su obra artística no resulta oscura o solemne, sino que puede disfrutarse bajo distintas perspectivas, desde la más sensorial hasta la estrictamente intelectual. “Creo que es positivo que el arte conecte emocionalmente”, afirma. “En cuanto se convierte en discurso con mayúsculas, se vuelve confuso y alienante. Así que lo ideal es un grado de sentido de la maravilla, de curiosidad y de placer. Luego el público puede actuar como un arqueólogo: quedarse con la superficie, o ir profundizando”.

Para ello utiliza, entre otras herramientas, el kitsch deliberado, sumado a un componente cómico y juguetón. Dice que “el kitsch en exceso resulta aborrecible, pero en su justa medida es una herramienta muy útil. El mejor tipo de kitsch sirve para aumentar la potencia del mensaje, como los monólogos cómicos o el rap. Creo que el humor genera mayor accesibilidad. Hay una profunda inteligencia en él, pero además es poético”. Por eso admira al catalán Joan Miró, uno de sus artistas de referencia, por quien se tatuó en el dorso de una mano una figura encontrada en uno de sus grabados: “Miró es un completo mago, lo adoro. Al ver su obra te das cuenta de que toda su vida disfrutó haciendo arte”. Aunque está de acuerdo con la valoración de que la cultura contemporánea se está contaminando en exceso de elementos de espectáculo, detecta en las nuevas generaciones una reacción esperanzadora: “a todos nos seducen el brillo y la velocidad, pero también creo que esa lógica de la rapidez se está acabando. Cada vez hay más gente que vuelve a los libros y las ideas”.

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Su colaboración con Miu Miu forma parte de una estrategia habitual de las grandes firmas de moda, interesadas en asociarse con la creación artística, lo que en ocasiones genera contrastes entre ambos lenguajes. “Es cierto que la moda tiene una rapidez extrema, pero al mismo tiempo la mejor moda se mantiene totalmente duradera”, razona.

Para ella, “marcas como Miu Miu y Prada lo entienden perfectamente, porque crean con profundidad intelectual. La buena moda eleva el modo en que te comportas en tu propio cuerpo”.

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En realidad, esta no es su primera aproximación a la moda: cuando cumplió 16 años le regalaron una cámara digital, que empleó para hacer fotos a su hermana, modelo improvisada. “De niña no tuve un móvil, y a Internet solo llegué de adolescente, así que la cámara digital fue una revelación, como un milagro. Y sí, hice fotos muy embarazosas de mi hermana pequeña, al estilo de una fotógrafa de moda”.

Sin embargo, no usa redes sociales. “Destruyen la capacidad del cerebro para retener información y generar memoria intelectual”, dice. “El asalto continuo de imágenes es increíblemente excitante, pero a la vez es algo que debe medirse antes de que se convierta en un diluvio de basura. Si yo fuera niña me resultaría muy difícil existir en este momento, obsesionada con una imagen personal que es como una fachada, la imitación de una identidad”, agrega.

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Sus procesos de trabajo, muy físicos, están centrados en lo material. “Todo está producido expresamente. Me genera placer hacer cosas sin que medie el lenguaje, hay algo sexy y erótico en eso. Y me resulta muy excitante forzar los materiales. Usar cemento como si fuera pintura, o quemar algo para darle una textura nueva. En cuanto a salud y seguridad, mis prácticas en el estudio son demenciales. Me lo cerrarían enseguida si alguien viera lo que hago (se ríe). Pero esa cercanía al peligro permite crear con auténtica vitalidad”.

Si se debe definir, no se identifica con la etiqueta de artista conceptual, porque cree que hoy en día todos los creadores lo son. “Todos tratan con ideas. Mi esperanza es que en mi obra sean visibles las ideas y también la relevancia de lo material. Aunque, cuando me preguntan a qué me dedico, a veces digo que soy arquitecta. Es más fácil”.

(Derechos exclusivos, El País de Madrid).